Ser o no ser (Ernst Lubitsch, 1942)

Título original: To Be or Not to Be | Año: 1942 | Duración: 99 min. | País: Estados Unidos | Director: Ernst Lubitsch | Guión: Edwin Justus Mayer (Historia: Melchior Lengyel) | Música: Werner R. Heymann | Fotografía: Rudolph Maté (B&W) | Reparto: Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Stanley Ridges, Felix Bressart, Lionel Atwill, Sig Ruman, Tom Dugan, Charles Halton, George Lynn | Productora: Romaine Film / Alexander Korda|

La duda universal

“Ser o no ser: esa es la cuestión”, planteaba Shakespeare en boca del Príncipe Hamlet en el ultra famoso soliloquio. Hamlet pronuncia estas palabras tras la visión del fantasma de su padre, que le revela que había sido asesinado por su propio tío, en complot con su madre tras haberle sido infiel. Hamlet se cuestiona así el SER, cumplir su venganza y matar a su tío, lo que le convertiría en asesino; o el NO SER, es decir, no hacer nada.

Tras el visionado de la magnífica película dirigida por Ernst Lubitsch, Ser o no ser (To Be or Not to Be, 1942), queda claro que el título no está escogido al azar. En el filme del director berlines tienen cabida las infidelidades, las tramas de asesinato y los engaños. Los personajes, cuidadosamente tratados, también tienen que hacer frente a la duda en sus acciones. El SER implica la toma de decisiones, hacer frente a las adversidades, es el paso que deben dar los valientes. Y en este caso los valientes son una compañía de teatro, la última esperanza de la resistencia para acabar con un respetado profesor polaco (Prof. Siletsky, interpretado por Stanley Ridges) que decide traicionar a su pueblo y colaborar con los nazis, tras la repentina (y sorpresiva) invasión de Polonia por parte de las tropas del Führer.

Heil Myself!

La película, en un brillante inicio cargado de ironía y humor, comienza su narración en la apacible vida de la Polonia pre-invasión, centrándose en los personajes de una compañía de teatro liderada por Joseph y Maria Tura (Jack Benny y Carole Lombard) que, casualmente, están ensayando “Gestapo”, una obra de teatro crítica con el nazismo. Cabe destacar de este inicio el fantástico momento en que el actor que representa el papel de Hitler, grita “Heil Myself!” al responder al saludo convencional nazi de “Heil Hitler”, desvelando el director el tono que va a ir adquiriendo la película.

La invasión polaca y la aparición de un joven piloto enamorado de María Tura y que sospecha de los oscuros planes del Prof. Siletsky, provocará que los actores de la compañía teatral se revelen como parte clave para el éxito de la resistencia polaca. A partir de este momento, la película se articula como una ingeniosa sátira antinazi, en la que el guión fluye como pocas veces se ha visto en el cine. Una maquinaria perfecta donde todas las escenas son necesarias y los chistes se suceden de manera magistral. Lubitsch se atreve con todo: el régimen disciplinario y totalitario, la cadena de mando, la propaganda con mensaje e incluso con la figura del propio Hitler.

La película está repleta de ironías, dobles sentidos y el característico “toque Lubitsch”, utilizando el ingenio para dejar entrever las insinuaciones sexuales de los personajes, esquivando así la tijera de la censura americana.

Arriba el telón

El teatro se convierte aquí en una constante metáfora de la vida, reflejando el día a día e incluso la muerte (el Prof. Siletsky muere en el escenario cuando se levanta el telón). En un continuo juego de repeticiones, el director alemán anticipa las reacciones de los personajes mediante la representación de los actores de la compañía, dejando en el aire la reflexión de que somos actores de nuestra propia vida.

Lubitsch también saca tiempo para satirizar un mundo que conoce bien, el de los egos y excentricidades de los actores y la pérdida de importancia y respeto a la figura del director. El vanidoso Joseph Tura es el conejillo de indias que usa el director para desahogarse y se encarga de dejar claro que el actor es sólo una parte más del engranaje final. Por el contrario, los secundarios se vuelven a erigir en parte importante de las películas de Lubitsch, destacando principalmente Greenberg (Felix Bressart) mediante el cual el director expresa las ambiciones de la clase media, en este caso la representación del monólogo de Shylock.

La escena final (nuevamente en el teatro) arroja una moraleja un tanto pesimista con el ser humano: la vida (el teatro) continúa mientras que las personas raramente cambian. Ernst Lubitsch firma una obra maestra, que parece más fresca cuánto más años tiene y que cada visionado aporta nuevos descubrimientos.

Daniel Reigosa

En Otro País, Hong Sang-soo (2012)

De paragüas, botellas de soju y un pequeño faro by Daniel Reigosa

Nota VOSP: 8,5/10

Título original: Da-reun na-ra-e-suh (In Another Country)   Año: 2012   Duración: 89 min.   País: Corea del Sur   Director: Hong Sang-soo   Guión: Hong Sang-soo   Música: Jeong Yongjin   Fotografía: Jee Yunejeong, Park Hongyeol   Reparto: Isabelle Huppert, Yu Jun-Sang, Moon So-Ri, Jung Yu-Mi, Yoon Yeo-Jung, Moon Sung-Geun   Productora: Jeonwonsa Film Co.

Hemos tenido que esperar un año para que En otro país, la película del director Hong Sang-soo se estrenase en España tras su paso por el festival de Cannes de 2012. De hecho se trata de la primera película del director coreano que llega a las carteleras españolas -sin duda uno de los grandes olvidados del panorama actual-, que viene avalada por la presencia de la actriz francesa Isabelle Huppert.

Hong Sang-soo propone un divertido juego de repeticiones e interacciones al espectador con esta película. A través de los guiones que escribe una chica en una habitación de un hotel, el director nos propone tres historias con varios elementos comunes entre ellas: objetos materiales (botella de soju, paraguas), personajes (socorrista, la chica del hotel), diálogos y planos. En todas ellas la historia se inicia con la llegada a un pequeño pueblo pesquero coreano de una mujer francesa llamada Anne (magistralmente interpretada por Isabelle Huppert).

Las historias fluyen al ritmo al que escribe la joven guionista, incluso rectificando ideas sobre el papel (como la escena de la segunda historia que transcurre a la orilla del puerto mientras Anne espera a su amante) y utilizando elementos de su entorno, como el hotel o su propia madre.

Al director coreano le hacen falta pocos recursos, pero muy bien escogidos, para definir a sus personajes (especialmente Anne). El uso de la climatología, la vestimenta o la interacción con los elementos comunes (interrelacionados en todas las historias), bastarán como elementos narrativos y definitorios de la personalidad de los personajes en cada historia.

Anne pasa de ser una directora bohemia e independiente (con una ropa elegante y sofisticada) en la primera historia, a una vivaz, ingenua e infiel esposa en la segunda (con un sensual vestido rojo), para acabar siendo una mujer despechada, en crisis y consentida (con un vestido de color triste).

Resulta magistral el uso del personaje del entrañable socorrista (siempre con la misma indumentaria, potenciando la idea de personaje invariable en las tres historias), cuyo encuentro con Anne (siempre de la misma manera) servirá al director (en la piel de la joven guionista) para experimentar con el personaje de Anne, poniéndola a prueba, observándola cuidadosamente y provocándole diferentes reacciones, en una especie de catarsis emocional.

Junto a todo este puzzle atemporal, construido meticulosamente, el director saca tiempo para hacer una profunda reflexión sobre la fragilidad de las relaciones personales, condimentada por la dificultad de entablar una relación amorosa (aquí el idioma), los celos o la búsqueda de la espiritualidad.

En definitiva, una película divertida, bien construida y estructurada, en apariencia simple pero de enorme complejidad, que supone un reto al espectador (preocupado por encontrar los elementos comunes en cada historia) y que refuerza la idea de necesidad de búsqueda constante del placer (aquí un pequeño faro). Maravillosa.

Cannes desde la distancia

Cannes 2013 ya ha terminado. Un año más siguiendo intensamente desde la distancia uno de los mejores fesivales cinematográficos en cuanto a calidad. Me han quedado ganas de ver muchísimas películas, el problema será, como siempre, su proyección en España ya que supemanes, coches, disparos y diálogos absurdos coparán la cartelera de la mayoría de salas de este país. Salvo directores como los Cohen o Polanski, con tirón comercial, el resto de filmes tendremos que esperar a ver su aceptación en países más avanzados culturalmente que nosotros para que podamos disfrutarlos (ya sabemos lo cuesta proyectar cine subtitulado). Sólo hay que recordar lo que tardamos en ver Amour en la gran pantalla tras haber ganado la Palma de Oro 2012.

La Palma de Oro 2013 se la ha llevado La vie d'Adèle del director tunecino Abdellatif Kechiche, de forma muy merecida según público y crítica. Pocas veces he visto tantos comentarios positivos de gente con opiniones cinematográficas tan diversas. La película está inspirada en un cómic ("El Azul es un Color Cálido"), y narra la relación lésbica entre dos jóvenes adolescentes, y a todo lo que se tendrán que enfrentar para sacar adelante su vida. Todo el mundo destaca el espectacular papel de las dos actrices, las francesas Adèle Exarchopoulos y L'ea Seydoux y, sobre todo, la capacidad del director para rodar escenas sexuales tan reales y rebosantes de sensualidad, con un lenguaje muy distante de lo que nos llega al otro lado del Atlántico, y que nunca se atrevería a mostrar.

El Gran Premio del Jurado se lo ha llevado Inside Llewyn Davis de los hermanos Cohen, que narra la vida de un joven cantante de folk a principios de los años 60. Supongo que su estreno en España no se hará esperar, debido a la importancia y notoriedad de sus directores.

El Premio Internacional del Jurado ha caído en manos del director japonés Hirokazu Kore-eda y su película Soshite chichi ni naru (Like Father, Like Son), en la que un acontecimiento cambiará por completo la plena vida que parece lelvar una familia asentada de clase media-alta japonesa.

Aparte de estas tres películas -que espero pronto podamos disfrutar en nuestras grises carteleras-, el festival de Cannes ha dado mucho más de sí. Tengo muchísimas ganas de disfrutar de los nuevos trabajos de Asghar Farhadi, Le Passé (El Pasado) que, tras la fantástica y oscarizada Jodaeiye Nader az Simin (A Separation) ha dejado el listón muy muy alto y del "cirujano" François Ozon (Jeune et Jolie) que vuelve a poner su bisturí sobre la clase media francesa (y con muy buenas críticas), como ya hizo un año antes en Dans la Maisôn.

Han salido airosas también las películas Nebraska de Alexander Payne, Only Lovers Left Alive del gran Jim Jarmush, Only God Forgives de Nicolas Winding Refn, Borgman del holandés Alex van Warmerdam o La Grande Bellezza del italiano Paolo Sorrentino (que ha generado discordia, aunque más aplausos que abucheos)

Otros premios del festival han sido:

Mejor director: Amat Escalante por su película Heli (México)

Mejor actor: Bruce Dern por Nebraska (Estados Unidos)

Mejor actriz: Bérénice Bejo por Le Passé (Francia)

Mejor guión: Jia Zhang Ke por Tian zhu ding (A Touch of Sin) (China)

Stoker (Park Chan-wook , 2013)

La potencia visual sin guión no sirve de nada by Daniel Reigosa

Título original: Stoker Año: 2013 Duración: 98 min. País: Estados Unidos Director: Park Chan-wook Guión: Wentworth Miller Música: Clint Mansell Fotografía: Chung-hoon Chung Reparto: Mia Wasikowska, Matthew Goode, Nicole Kidman, Jacki Weaver, Dermot Mulroney Productora: Fox Searchlight Pictures / Scott Free Productions

Nota VOSP: 4,0

Ya es una costumbre que a los directores de más peso en Europa y Asia se les ofrezca un proyecto ambicioso (me refiero a más dinero) para revitalizar el decadente y sin ideas universo Hollywood, y también es costumbre que estos proyectos fracasen estrepitosamente, sobre todo a nivel de calidad, (no tanto de taquilla), recordemos casos como el de Michael Haneke y su horripilante remake de la inquietante Funny Games. Exceptuando a Ang Lee, reciente ganador del Óscar a mejor director por La Vida de Pi (Life of Pi, 2012), cuyo lenguaje se acerca más a lo demandado por el gran público, sin tener que fallarse a sí mismo. 

Tras la repercusión que generó en su día Oldboy (2003), Hollywood se encaprichó de este director que convertía la violencia en un espectáculo de color y buen gusto -no deja de ser curioso que a la vez que el director coreano estrena nuevo proyecto bajo la producción americana, un director americano (Spike Lee) se lance a hacer un remake de Oldboy-. 

Pues Park Chan-wook ha hecho exactamente lo que se esperaba que hiciera (o por lo menos yo), es decir, una buena película en el plano visual (en eso los coreanos son auténticos maestros, no hay más que revisar la filmografía de Kim Ki-duk), pero floja en lo demás. 

La película genera un clima muy interesante, atemporal (cuando crees que está ambientada en los años setenta te sorprende con un teléfono móvil), con una desaturación de los colores muy acertada. La potencia de ciertas escenas es arrolladora y la genialidad del director queda patente en algunos cambios de escena absolutamente geniales y realizados con un gusto exquisito. El uso del sonido como narración, muy al estilo de Darren Aronofsky, es una delicia y te mete en las escenas sin darte cuenta. Genial la escena de la cena con su tío mientras beben una copa de vino o la sensual escena de la ducha.

Y hasta aquí las virtudes, ya que el resto flojea por todos los lados, empezando por el guión, muy previsible y mal construido.  En este aspecto, el novato Wentworth Miller (más conocido por su papel de hermano guapo de Prison Break) tiene mucha culpa, le falta consistencia y, sobre todo, ritmo. En la película no hay espacio para la imaginación, te lo dan todo masticado y eso es un error gravísimo en una película de este género.

La película no consigue enganchar (por lo menos a mi, ya que estoy leyendo críticas bastante favorables), te deja frío y encima los actores no ayudan demasiado -Nicole Kidman aparte, que después de las miles de operaciones ya no se sabe si ríe o llora-. Una decepción del un director del que se podía esperar más, ya que su lenguaje es muy del estilo del gran público y que tras lo visto en Oldboy podría dar mucho juego en la sosa industria hollywoodiense pero, eso sí, en Oldboy contaba con un guión.

La caza (Thomas Vinterberg, 2012)

La manipulación del ser humano como masa by Daniel Reigosa



Título original: Jagten (The Hunt)
Año: 2012

Duración: 111 min.
País: Dinamarca
Director: Thomas Vinterberg
Guión: Thomas Vinterberg, Tobias Lindholm
Música: Nikolaj Egelund
Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
Reparto: Mads Mikkelsen, Alexandra Rapaport, Thomas Bo Larsen, Annika Wedderkopp
Productora: Zentropa Entertainments

El cine escandinavo siempre se ha caracterizado por ser un cine frío, desmenuzando concienzudamente la condición humana para mostrar sus miserias y sus virtudes. Remontándonos a Bergman y Dreyer, o incluso a Victor Sjöström (del que, por cierto, no consigo demasiado material), hasta la nueva oleada de cineastas que volvió a poner al cine escandinavo en general y el danés en particular en el mapa con el movimiento Dogma 95 (Lars Von Trier y Thomas Vinterberg), los temas tratados mantenían una coherencia maquillados con las nuevas coyunturas de los tiempos.

Thomas Vinterberg, ya alejado del voto de castidad impuesto por el movimiento Dogma 95, nos trae una película que invita a reflexionar sobre, principalmente, el comportamiento del ser humano en masa. La acción la sitúa en un pequeño pueblo danés, en el que los lugareños comparten la afición por la caza (no se trata de un hobbie elegido al azar), pero bien podía situarse en una casa cualquiera con una familia cualquiera de clase media sentada delante de un televisor.

Reflexiona sobre la fiabilidad de las fuentes, de cómo un rumor contado en el momento exacto por la persona indicada (en este caso una niña, los niños siempre dicen la verdad) puede hacer tambalear la vida de una persona (o, extrapolando, de una sociedad, de un país). 

Mads Mikkelsen interpreta (de manera soberbia) a un encantador profesor de guardería (Lucas), al que los niños adoran. La hija de su mejor amigo, de nombre Klara (interpretada de manera sorprendente por su fuerza expresiva por la jovencísima Annika Weddwekopp) se encapricha con él y el hecho de que sus padres estén siempre discutiendo, le ayuda a acercarse más a Lucas. Pero un día decide inventarse una historia de abusos sexuales, sin ser demasiado consciente,  que su profesora Grethe cree a pies juntillas (más bien por la necesidad de creer que por las pruebas en sí). A partir de aquí Vinterberg analiza con sumo detalle cómo se extiende el tumor dentro de la pequeña población y, cómo la gente empieza a cambiar su relación hacia el pobre Lucas. Y digo pobre Lucas porque el director, aunque quiera envolver la película con una capa de objetividad, sin juzgar, nos acaba posicionando claramente a favor del protagonista, evidenciando su inocencia (conocemos la verdad), lo que supone una manipulación en sí misma también y un complemento a su genial discurso (incluso experimentamos un amargo sentimiento hacia la niña). 

Vinterberg no entra en aspectos legales, las visitas al juzgado o consultas con el abogado se realizan fuera de cámara, al director no le interesa ese aspecto (demasiado fácil), sino en el comportamiento de los habitantes del pueblo hacia Lucas, con una ira creciente e irreconocible en una sociedad como la danesa. Incide sobre cómo nos ve la sociedad, en la mirada humana, en el rumor, en cómo se extiende y en cómo somos capaces de condenar a un hombre basándonos en lo que oímos, sin comprobar las fuentes (ni la directora se preocupa en hablar con él). Creemos lo que queremos creer y sólo hace falta que alguien corrobore nuestra historia. Es lo que pasa en ese apacible pueblo, tan aburrido que, inconscientemente, la gente necesita un aliciente, desea "carnaza".

Una increíble y sobrecogedora película que te dejará una sensación extraña, donde el director se reafirma en que el poder del hombre como masa es más fuerte que cualquier verdad y una vez insertado el virus, el autoconvencimiento y la necesidad harán el resto, de forma que ya no haya vuelta atrás, porque como bien dice la madre de Klara cuando ésta quiere confesar: "No hija, sé que pasó de verdad, sólo lo dices para olvidarlo", ya estamos infectados.


Nota VOSP: 8,4

To the Wonder, Terrence Malick (2012)

 Un filme que se proyecta en tu mente by Daniel Reigosa

Título original: To the Wonder

Año: 2012

Duración: 112 min

País: Estados Unidos

Director: Terrence Malick

Guión: Terrence Malick

Música: Hanan Townshend

Fotografía: Emmanuel Lubezki

Reparto: Ben Affleck, Olga Kurylenko, Rachel McAdams, Javier Bardem, Tatiana Chiline, Charles Baker, Romina Mondello

Productora: Magnolia Pictures / FilmNation Entertainment / Redbud Pictures

Si hay un director en la actualidad que genere discordia entre crítica, público e incluso entre colegas de trabajo, ese es Terrence Malick. Con El Árbol de la Vida (The Tree of Life, 2012) algunos lo encumbraron al olimpo de los directores, tildaron la película de obra maestra, mientras otros no daban crédito a lo que consideraban un insulto al espectador. Pues bien, el bueno de Malick lo ha vuelto a hacer con su nueva película.

To The Wonder supone una continuidad con su predecesora, aunque en términos más mundanos. Si en El Arbol de la Vida se abordaba la idea de la creación del universo (de la vida), un concepto colosal que lleva abordando y preocupando a Malick los últimos años y que se ha convertido en el epicentro de todos sus proyectos, en su último filme se centra más en la relación de las personas con su entorno, conceptos que abarcan desde la religión, la naturaleza, los seres queridos o los desconocidos.

Las películas de Malick suelen suponer un esfuerzo para el espectador, que se ve obligado a reflexionar sobre temas existencialistas mientras en la pantalla se muestra la interacción de varios personajes sin un guión fijo y que deben servir como mero apoyo, como un simple balcón en el que apoyarse para poder mirar al horizonte de una manera más cómoda. 

No obstante, en esta entrega el discurso global pierde fuerza, baja intensidad en lo trascendental y muestra una visión en la parte espiritual demasiado adoctrinadora. Sin embargo, en lo que a relaciones personales se refiere, Malick acierta plenamente. Muestra unos personajes que nos resultan ajenos a nuestro entorno pero que, casi sin hablar (no recuerdo que Ben Affleck diga más de dos líneas en todo el filme), y sólo con gestos y miradas entendemos a la perfección, sabemos por lo que están pasando y no podemos juzgarlos por lo que hacen porque conocemos (o creemos conocer) todas los pensamientos y acciones que les han llevado a actuar de cierta manera.

La ausencia de un guión narrativo obliga al espectador a crear su propia historia, las imágenes ayudan simplemente a imaginar lo que se nos está proponiendo. Quien asiste a una película de Malick esperando una historia cerrada sobre un tema en concreto, aunque sea más o menos coherente, se equivoca por completo. Malick invita a pensar, a dejarte llevar entre sus imágenes oníricas, a razonar los comportamientos de sus personajes o incluso a identificarte con ciertos recuerdos y llevar a cabo un proceso nostálgico que se puede distanciar totalmente de lo que está ofreciendo el filme. La película no se proyecta en las salas de cine, se proyecta directamente en tu mente, en tus recuerdos y vivencias.

En el plano técnico Malick vuelve a sorprender, aunque reutiliza muchos de los conceptos que nos fascinaron a unos e irritaron a otros en su película anterior. Juega con la cámara, con el espectador, con lo que ve, abordando todos los temas de la manera más objetiva posible, ofreciendo todos los detalles, los necesarios y los no necesarios pero que ayudan a situar a cada cosa en su sitio. Planos cortos, a veces simplemente fotografías en movimiento, que se intercalan a modo de recuerdos, sentimientos o que fuerzan al espectador a rebuscar en la mente situaciones similares. Cosas tan simples como acariciar un campo de trigo o seguir a una persona que de vez en cuando se gira para incitarte a acompañarla, son extraordinarias y generan multitud de sensaciones diferentes en cada espectador. 

La edición es milimétrica -no en vano se trata de un trabajo de dos años y medio-, mezclando voces en off con voces "en directo", intercalando planos de lo que se podría denominar la "historia principal" con planos fotográficos de recuerdos o postales oníricas de la naturaleza viva. Y para potenciar esto, Malick usa una fotografía, natural...la luz del sol como protagonista absoluto, sólo hay luz cuando el sol ilumina sumiendo todo lo demás en una oscurridad irrelevante. Todo ello da como resultado un cocktail de sensaciones que estimulan la imaginación del espectador, llevándole por los rincones de aspectos de su propia vida.

Pero para eso el espectador debe querer experimentar esa sensación, si no las casi dos horas que dura la película se le harán eternas e infumables. Como bien dijo una mujer a su marido a la salida del cine: - "Menudo coñazo, no me vuelvas a traer a un bodrio de estos, me he quedado dormida". Y es que el cartel engaña y la historia es lo de menos.

Nota VOSP:  7,9 / 10

Listado de Series de Televisión

Volviendo con las listas..... Una de series, que en estos momentos, ofrecen probablemente mucha más calidad cinematográfica que el 90% de las películas de cartelera. Me atrevo a decir que hasta están en riguroso orden...Cuáles son las vuestras???

1. The Wire (HBO)

2. The Sopranos (HBO)

3. Band of Brothers (HBO)

4. Six Feet Under (HBO)

5. Breaking Bad (AMC)

6. Game of Thrones (HBO)

7. Firefly (FOX)

8. Twin Peaks (ABC)

9. Lost (ABC)

10. Deadwood (HBO)

Sí, he dejado fuera series como Boardwalk Empire (a pesar de la fabulosa tercera temporada), Mad Men, OZ, Arrested Development, Dexter, Freaks and Geeks,The Office (UK y USA) o Sherlock, todas merecedoras de entrar en los top, pero he tenido que meter Lost por la de horas (y años) de entretenimiento que me ha dado

Blue Valentine, Derek Cianfrance

 En la salud y en la enfermedad, en la riqueza y en la pobreza by Daniel Reigosa

Título Original: Blue Valentine
Año:  2010
Duración: 114 min.
País: Estados Unidos
Director: Derek Cianfrance
Guión: Derek Cianfrance, Cami Delavigne, Joey Curtis
Música: Grizzly Bear
Fotografía: Andrij Parekh
Reparto: Ryan Gosling, Michelle Williams, Mike Vogel, John Doman
Productora: Incentive Filmed Entertainment / Silverwood Films / Hunting Lane Films / Chrysler Corporation / Shade Pictures / Motel Movies / Cottage Industries

Casi tres años han pasado desde que Blue Valentine se estrenó en los Estados Unidos. Ni la nominación al Oscar a mejor actriz para Michelle Williams (que acabó ganando Natalie Portman por su papel en Cisne Negro), ni la presencia del "chico de moda" Ryan Gosling, ni el paso, no carente de éxito, por diversos festivales de gran repercusión como Cannes, Sundance o Toronto, resultaron argumentos interesantes para distribuir la película en España. Al final la distribuidora Karma Films ha recuperado el filme para ser expuesto en España, aunque eso sí, con pocas copias y, probablemente, sin doblaje (cosa que yo personalmente agradezco).

El 29 de marzo se dará la curiosidad que el director Derek Cianfrance estrena en España su nueva película Cruce de Caminos (The Place Beyond the Pines, 2012), y contará en cartelera con dos películas aunque, eso sí, separadas en producción por más de dos años. Cosas de la industria española de cine. Pero toca hablar de la película

La verdad es que tengo que reconocer que, de entrada, este tipo de películas me apetecen bien poco. Creo sinceramente que el género de drama/comedia romántica está saturadísimo porque se priman muchos factores antes que la calidad de un buen guión. No es el caso de Blue Valentine.

Las tres fases fundamentales en las que se sustenta un buen filme por la parte narrativa son, el guión, la dirección y la edición. Cualquier pequeño bajón, por diminuto que sea, en alguno de estos tres factores altera de manera exponencial al conjunto de la película, la narración se rompe y genera confusión en el espectador. El director construye aquí un edificio magnífico bien consolidado en os tres pilares antes comentados. 

El guión es excelente, podría parecer una historia mil veces contada en la gran pantalla, pero esta narrada de una manera muy acertada, decorada con flashbacks que muchas veces se convierten en el argumento principal. Los pequeños detalles y anécdotas constantes en la película no hacen más que ponerle guindas de humor o ternura a un pastel perfectamente cocinado. 

El director nos hace recorrer su película de una manera muy interesante, suprimiendo cualquier tipo de elemento superficial, tratándonos de manera inteligente. Sufrimos en los momentos duros pero sonreímos de manera muy intensa y sincera ante otros momentos más dulces. La excelente utilización de dos tipos de rodaje según nos encontremos en los flashbacks o en el presente hace que nos metamos más de lleno en la película, sintiendo con los personajes, conociéndolos. En el presente planos más sobrios, limpios , con elegantes movimientos de cámara, todo ello acompañado de una muy apropiada banda sonora. Todo suena a pequeñas dosis de teatralidad, falsedad, hipocresía. En el pasado cámara en mano, sonidos ambiente (incluyendo la música) y mucha más presencia de sonidos externos, que hacen que sintamos con ellos, corramos con ellos o, incluso, que amemos con ellos. Una sensación mucho más fresca que nos acerca de manera evidente al sentir de los personajes.

Y luego está la edición, perfecta. Escenas largas cuando la película las requiere, acertadísimos cambios de plano entre presente y flashbacks, logrando una sutileza que fluye en todo el filme. Todos los elementos del puzzle encajan a la perfección, como si la historia estuviese contada de una manera continuada. La edición va adquiriendo cada vez más presencia a medida que la película llega al final, hasta que se convierte en un elemento totalmente imprescindible.

Por último, una película también necesita de una buena parte artística, por así decirlo, y en Blue Valentine también roza la perfección. Los actores están sublimes, muy merecida la nominación para Michelle, pero injusto el olvido de un mejor Ryan Gosling (este chico ya lleva unas cuantas seguidas) que borda su papel y se convierte en el elemento conductor de la película, mediante el cual somos capaces de entender la historia. La química existente entre la pareja de actores es impresionante, los gestos, las miradas, los silencios son totalmente reveladores y profundos, como si se conociesen de toda la vida pero con esa mirada pícara de quien te acabas de enamorar sin darte cuenta.

La fotografía es muy natural, sobre todo en los flashbacks, potenciando la idea de frescor y cercanía en esta parte (o partes) del filme. Cabe destacar también el buen trabajo de Grizzly Bear, grupo capaz de crear unas excelentes atmósferas y no muy alejado de mi adorado post-rock, en la banda sonora que se adapta como un guante a cada situación.

Esta película consigue que los sentimientos del espectador afloren al máximo, tanto en los momentos buenos como en los momentos más duros, en la salud y en la enfermedad, en la riqueza y en la pobreza. Una montaña rusa de la que no te quieres bajar y que donde más se disfruta es los altos y en los valles, pero que los trayectos intermedios se hacen necesarios para experimentar al máximo la ternura, la pasión, el odio o la incomprensión, es decir, el amor en todas sus vertientes.

En fin, que mientras algunos se empeñan en catalogar a una mediocridad como El Lado Bueno de las Cosas (Silver Linings Playbook, 2012) como una revolución en el mundo del drama/comedia romántico, existen otras películas como Blue Valentine que realmente lo consiguen, y sin hacer tanto ruido. Y lo que es mejor, sin maltratar al espectador.

Nota VOSP: 8,0 / 10

Cobardía y premios cantados

Lo esperado. El plumero se ve desde lejos, como el monte Rushmore. Un año más y casualmente todas las películas, directores y actores premiados son "made in Holywood". Este año, con la fuerte presencia de Amour había una oportunidad de lavado de cara, de dejar de mirar al "operado" ombligo americano, pero no. Un Oscar se llevó Amour y a película extranjera, que no pueden competir americanadas (de momento).

La máxima cobardía se demostró al premiar a Jennifer Lawrence (no tengo nada contra ella, es más siempre he defendido que es lo único que se salva de su mediocre película) por encima de una soberbia Emmanuelle Riva. Eso, por no nombrar la absurda no nominación a Jean Louis Trintingnant como mejor actor principal, que se lo hubiese puesto más difícil Daniel Day Lewis.

Y como no se nominó a Ben Affleck a mejor director (y sí a David O. Russell, incomprensible), pues hay que compensarlo con otros premios menos merecidos al ver que el resto de academias no cesan en su empeño de demostrarle a Holywood lo buen director que es.

Se podría haber dado los Oscars sin tanto suspense, con los sobres abiertos, porque la única sorpresa (para los ingenuos) fue el premio al director Ang Lee, taiwanés de nacimiento pero americano de corazón. Y es que Ang Lee es un filón, lo mismo te hace una película de superhérroes, que de filosofía oriental con toques de acción barata, que una de vaqueros homosexuales que La vida de Pi. Éxito de taquilla seguro. No nos extrañe que en los próximos años se cambie el apellido por Lee-Jones.

No voy a entrar demasiado en el premio a la mejor fotografía, ya que considero que La Vida de Pi no debería competir en la misma categoría que las demás, por el excesivo tratamiento digital que lleva la película, lo que convierte a la fotografía en algo artificiosa y postproducida.

Y es que hubo cobardía hasta en una categoría como la animación, donde parece que los estudios Pixar tienen amnistía creativa, y hagan lo que hagan tienen Oscar asegurado. Brave es flojita, muy flojita, y más si las comparamos con las excelentes (y revolucionarias) Wall-E, Up o Toy Story 3. Rompe Ralph! es mucho más divertida y original que su rival.

En resumen, cantadísimos premios. Me imagino a los académicos sentados en el sillón con las siguientes premisas. a) Silver Linning Playbook tuvo una gran acogida entre el público que paga, así que tiene que llevarse un premio principal; b) Zero Dark Thirty debe ser castigada por los rumores que asolan su reputación; c) No se debe dar demasiados Oscars a Lincoln, que se nos ve el plumero y; d) Amour y Bestias del Sur Salvaje ya se pueden sentir premiadas simplemente con las nominaciones. Ahhh, por cierto hay que corregir urgentemente el error de la no nominación a Affleck  director que se nos echan encima, solución: le damos película y guión y apañaos.

No se trata de no estar de acuerdo con las nominaciones, como si de una pataleta de un niño se tratase, pero es verdad que era una ocasión histórica para haber convertido esta entrega de premios en algo más serio. Un premio a Haneke a guión (a director ya sería mucho pedir) o a Rivá como actriz hubiese ayudado. Aunque claro, siempre hubiese sido más fácil darle los 12 Oscars a Lincoln, como ya se hizo con la hipercomercial Titanic.

Anda, mete un número en directo de Los Miserables, que eso siempre queda bien.... No sé qué me esperaba, la verdad.

La quiniela de los Oscars (by Daniel Reigosa)

Un año más llegan los premios de la academia, aquellos que premian a las mejores películas, pero que casualmente, casi siempre son todas americanas. Este año se ha colado una película típicamente europea, Amour de Michael Haneke, que el gran Ingmar Bergam hubiese firmado sin dudar. Amour cuenta con 5 nominaciones, todas ellas de las grandes (película, director, Actriz, Guión y película extranjera) y desde VOSP apostamos que se lleva 3. Faltan películas como The Master (sólo nominada a las categorías de actores, donde tengo la sensación que se va a ir de vacío), o Tabú, y sin embargo están otras como El Lado Bueno de las Cosas (película totalmente predecible y vista mil veces en los cines)

Sé que hace tiempo pronosticaba que Lincoln sería la gran triunfadora y, aunque se va a llevar unas cuantas estatuillas, el resultado en Globos de Oro y BAFTAS hace pensar que será Argo quién se lleve el principal.

Empezamos

MEJOR PELÍCULA

• Amor
• Argo 
• Bestias del sur salvaje
• Django desencadenado
• La vida de Pi
• Lincoln
• Los Miserables
• El lado bueno de las cosas
• La noche más oscura

Argo se ha llevado el BAFTA, el Globo de Oro y, aunque Affleck no esté nominado a director, todo apunta a que se llevará el Oscar más importante de la noche

MEJOR DIRECCIÓN

• Ang Lee, por La vida de Pi
• Steven Spielberg, por Lincoln 
• Michael Haneke, por Amor
• Benh Zeitlin, por Bestias del sur salvaje
• David O. Russell, por El lado bueno de las cosas

Aquí va a estar más reñida al no estar Affleck. Muchas posibilidades para Steven aunque Ang Lee puede dar la sorpresa. Para mi, el que de verdad lo merece es Michael Haneke, la mejor labor de dirección de los nominados, pero ya en su día estuvieron nominados Bergman, Fellini o Kurosawa y no se lo han llevado. Supongo que la nominación ya es un premio en si.

MEJOR ACTOR 

• Bradley Cooper, por El lado bueno de las cosas
• Daniel Day-Lewis, por Lincoln  
• Denzel Washington, por Flight (El vuelo)
• Hugh Jackman, por Los Miserables
• Joaquin Phoenix, por The Master

Creo que indiscutiblemente va a caer la tercera estatuilla para el gran Daniel Day-Lewis. Para mi la única competencia vendría de la mano de Joaquín Phoenix, haciendo de marine trastornado en The Master, pero sigo diciendo que esta película no interesa que gane ningún Oscar.

MEJOR ACTRIZ 

• Emmanuelle Riva, por Amor
• Jennifer Lawrence, por El lado bueno de las cosas
• Jessica Chastain, por La noche más oscura  
• Naomi Watts, por Lo imposible
• Quvenzhane Wallis, por Bestias del sur salvaje

Todas las quinielas apuntan a la joven Jennifer Lawrence, sin duda lo único que merece la pena de El Lado Bueno de las Cosas. Pero el nivel de implicación de Emmanuelle Riva en Amour para mí la hace claramente favorita. Voto más con el corazón que con los pronósticos (además cumple 86 años el día de la entrega de premios, ¿qué mejor regalo para esta fantástica actriz?)

MEJOR ACTOR DE REPARTO

• Alan Arkin, por Argo
• Philip Seymour Hoffman, por The Master
• Robert De Niro, por El lado bueno de las cosas
• Tommy Lee Jones, por Lincoln
• Christoph Waltz, por Django desencadenado 

Probablemente la categoría más difícil de predecir, sólo hay que mirar los nombres que aparecen en la lista. Mi apuesta personal iría sin lugar a dudas con Philip Seymour Hoffman, fantástico en el papel de Lancaster Dodd en The Master, pero ya he comentado que no creo que esta peli se lleve ninguna estatuilla. Por lo tanto creo que Christoph Waltz y Tommy Lee Jones serían los siguientes en la lista. Voy a apostar por el actor de Django (Tommy Lee Jones es menos que un secundario, aparece muy poco) en lo que creo que será el único Oscar para esta divertida película en la noche.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

• Amy Adams, por The Master
• Anne Hathaway, por Los Miserables
• Helen Hunt, por Las sesiones
• Jacki Weaver, por El lado bueno de las cosas
• Sally Field, por Lincoln

No hay dudas, Anne Hathaway ha arrasado por donde ha pasado...se ha llevado todos los premios hasta ahora y su papel de 5 minutos en Los Miserables de para poner la piel de gallina. Sin duda se lleva el Oscar por esa desagarradora interpretación.

MEJOR GUIÓN

• Amor 
• Django desencadenado
• Moonrise Kingdom
• La noche más oscura
• Flight (El vuelo)

Otra apuesta personal. La favorita es Django o La Noche más Oscura, pero voy a apostar por Haneke y su Amour, ya que creo que Holywood quiere premiar esta fantástica película.

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

• Argo 
• Bestias del sur salvaje
• La vida de Pi
• Lincoln
• El lado bueno de las cosas

Los dos colosos frente a frente, Lincoln versus Argo. Voy a apostar por Lincoln, -a pesar de que creo que la no nominación de Affleck a director la podrían suplir si le dan guión-, pero el guión de Tony Kushner es muy sólido.

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

• Amor 
• A Royal Affair (Un asunto real)
• War Witch
• No
• Kon-Tiki

Sin ninguna duda

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

• Brave 
• Frankenweenie
• El alucinante mundo de Norman
• Rompe Ralph
• Piratas

Aunque parece que Brave está subiendo considerablemente en las apuestas en los últimos días, Rompe Ralph es sin duda para mi la gran favorita.

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL

• Dario Marianelli por Anna Karenina
• Alexandre Desplat por Argo
• Mychael Danna por La vida de Pi
• John Williams por Lincoln 
• Thomas Newman por Skyfall

La mágica banda sonora de Mychael Danna creo que se impondrá a la correctísima (como siempre) BSO de John Williams, su principal rival

MEJOR CANCIÓN

• 'Before My Time', de Chasing Ice
• 'Everibody Needs A Best Friend', de Ted
• 'Pi's Lullaby', de La vida de Pi
• 'Skyfall', de Skyfall 
• 'Suddenly', de Los Miserables

Otro Oscar cantado, y más todavía desde que se sabe que Adele cantará en la gala. Primer Oscar para una canción en una saga del agente 007, y bien merecido que lo tiene.

MEJOR FOTOGRAFÍA

• Anna Karenina 
• Django desencadenado
• La vida de Pi
• Lincoln
• Skyfall

Duelo de titanes. Otrode los Oscars más impredecibles de esta gala y, por razones evidentes, uno de mis preferidos. La sobriedad de Janusz Kaminski en Lincoln, contra la magia (digital, eso sí) de Claudio Miranda en La Vida de Pi y la fantástica labor del gigante Roger Deakins en Skyfall. Para mí la mejor, Lincoln seguido de Skyfall y La vida de Pi (valoro menos la iluminación digital)...pero para contradecirme apostaré po este último, ya que parece que Holywood tiene una deuda pendiente con el señor Miranda

MEJOR MONTAJE

• Argo
• La vida de Pi
• Lincoln 
• El lado bueno de las cosas
• La noche más oscura

En esta categoría vuelven a competir con fuerzas los dos titanes Argo y Lincoln, a las que se suma la buena labor de edición de la última media hora de La Noche más Oscura. Esta vez apuesto por Argo, con una edición precisa que no decae en ningún momento

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

• Anna Karenina
• El Hobbit: un viaje inesperado
• Los Miserables
• La vida de Pi 
• Lincoln

Otra categoría dificil. Voy a apostar por los decorados de Los Miserables, aunque si hay una película donde se hace imprescindible la dirección de arte es en Anna Karenina.

MEJOR VESTUARIO

• Anna Karenina
• Los Miserables  
• Lincoln
• Mirror, mirror (Blancanieves)
• Blancanieves y la leyenda del cazador

Anna Karenina contra Los Miserables. Lo siento por Paco Delgado y su gran labor en la adaptación de la novela de Victor Hugo, pero creo que aquí ganará Anna Karenina

MEJOR MAQUILLAJE

• Hitchcock
• El Hobbit: un viaje inesperado 
• Los Miserables

Aunque me haya gustado muy poco la película, he de reconocer que en la labor de maquillaje El Hobbit es la mejor de las candidatas.

MEJOR EFECTOS VISUALES

• El Hobbit: un viaje inesperado
• La vida de Pi  
• Los Vengadores
• Prometheus
• Blancanieves y la leyenda del cazador

Sin duda, la mejor aportación en este campo es el tigre (protagonista principal) de La Vida de Pi. Oscar claro

MEJOR EFECTOS SONOROS

• Argo 
• Django desencadenado
• La vida de Pi
• Skyfall
• La noche más oscura

El problema en esta categoría es que Holywood suele premiar películas ruidosas o con muchos soniditos, pero creo que aquí se debería premiar el sonido como narración, la elegancia. En este campo La Noche más Oscura sobresale entre todas las demás candidatas.

MEJOR SONIDO

• Argo
• Los Miserables 
• La vida de Pi
• Lincoln
• Skyfall

AquÍ destaca la gran labor en este campo de Los Miserables combnando melodías con voces con sonidos propios de la acción, y todo a grandísima calidad. Si por algo destaca está película es por su inmaculado sonido (se le podría equiparar Skyfall, otra grandísima labor)

MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL

• 5 Broken Cameras
• The Gatekeepers
• How to Survive a Plague
• The Invisible War
• Searching for Sugar Man 

Sin duda, uno de los mejores documentales que he visto últimamente.

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

• Inocente
• Kings Point
• Mondays at Racine
• Open Heart 
• Redemption

Está va un poco al azar, siguiendo previsiones ya que no he tenido la oprotunidad de ver ninguno de los candidatos

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

• Adam and Dog
• Fresh Guacamole
• Head over Heels
• Maggie Simpson in “The Longest Da ycare”
• Paperman 

Este Oscar parece cantado para el pequeño cuento de Walt Disney

MEJOR CORTOMETRAJE DE IMAGEN REAL

• Asad
• Buzkashi Boys  (V)
• Curfew
• Death of a Shadow (Dood van een Schaduw)
• Henry

Otro que va a boleo, sin haber visto ninguno de los candidatos

Hagan sus apuestas!!!